Entrada #30: comisariado

El comisariado artístico en Canarias, debido a su cortísima rigurosidad y su absoluta falta de vergüenza, por no hablar de amiguismo e ignorancia, debería estar prohibido. 

Entrada #29: Hipocresía

 

En el gif arriba mostrado, podemos ver a Maximo Caminero, artista residente en Miami desde hace tres décadas y natural de República Dominicana, destruyendo parte de la instalación de Ai Weiwei "Colored Vases" (2006) al más puro estilo Ai Weiwei (“Dropping a Han-Dynasty Urn” 1995), obra también expuesta en esa sala, el Pérez Art Museum Miami.

Las preguntas que surgen podrían recibir decenas de calificativos, desde vanales hasta pueriles, incluso oportunistas, pero yo las considero relevantes y necesarias.

¿Qué es lo que diferencia exactamente la acción de Weiwei de la acción de Caminero? ¿Por qué la serie fotográfica del artista / activista chino es celebrada con celeridad, mientras que Caminero se enfrenta a cinco años de cárcel? ¿Por qué Weiwei acusa a Caminero de destruir una "propiedad ajena", cuando la metáfora de su pieza, en la cual destruye un objeto de gran valor arqueológico, es casi idéntica?

A pesar de que Weiwei ha sido perseguido por el gobierno Chino, no deja de resultar paradójico que una personalidad con su calado e influencia en el mundo artístico loriquée de esa forma al ver como otro artista, el cuál creo que ha hecho un movimiento de auténtica retórica de la performance, dialoga con su obra, que parece estar valorada en nada más y nada menos que 1$ millón.

Por norma general, cualquier filósofo o sociólogo que se considere a sí mismo progresista podría llegar a defender, con elocuencia y argumentos razonables, las diferencias culturales por las cuáles Miami no es lo mismo que la República Popular de China. Pero en este caso, la mayoría de los entendidos en arte se ponen de parte de Weiwei, el cuál manifiesta regularmente su deseo de poder abandonar China cuando le plazca, (algo que amparados en los Derechos Humanos Universales (cuando interesa) es un acto básico fundamental), a pesar de haber participado como diseñador arquitectónico para actos generalmente infames, como lo fueron los Juegos Olímpicos de Pekín en 2008. 

¿Es su disidencia política interesada y parcial?

Lo cierto es que a tenor de su plañidera respuesta a la acción de Caminero de romper una de sus vasijas, da la impresión de que Weiwei es un capitalista de postín, activista social según sus intereses. ¿O es acaso un artista que cree que el arte y la vida no son lo mismo?

Si le hubiese pasado eso a una de mis obras, yo estaría la mar de encantado. Es más, no pondría ningún impedimento a la persona que manipulase dicha obra para atribuirse su parte de autoría. Y ya de paso, le daría por saco a mi galerista y a su seguro, por hacerse millonario a costa de mi trabajo. Al menos de esa forma habría aportado realmente algo al mundo del arte, aunque fuese la rutilante fama de un artista cincuentón poco reconocido.

P.D. ¿Acaso la vasija que rompe Weiwei en su serie fotográfica es una imitación "de los chinos"?

 

Entrada #28; gusto.

No me gusta la obra de Luis Palmero.

        

Y a él, le importará un comino.

Entrada #28; polyfauna

       

       

       

       

Un trueno, seguido por una intensa precipitación de granizo, ameniza mi visita. Son las 23:33 horas de un sábado de febrero. Un día que he pasado convaleciente, en cama, con un continuo y punzante dolor de cabeza. Pero todo esto no ha podido evitar mi visita. El paisaje, poligonal, engalanado por una malsana neblina, colmada por extravagantes criaturas formadas por patrones geométricos, que pululan a mi alrededor, sin más intenciones que danzar sin son, a mi alrededor, acoge un pasear melancólico y dubitativo. La inmersión es total. El sonido de la tormenta, cada vez más violento. Un punto rojo que parpadea sin cesar me persigue, burlón, invitándome a mirarlo fijamente. Su parpadeo es cada vez más rápido. Hay un flash. El paisaje se destruye.

El paisaje se recompone.

Un trueno, seguido por una intensa precipitación de granizo.

Entrada #27; estándar.

         

"-¿Cómo saber qué arte es bueno o malo?

- Es una cuestión de gustos... Cada cual tiene su propio estándar. Yo admiro la destreza. 

- A mi me gusta cuando me hace pensar un poco... 

- ...Y cuando se siente personal... Algo de relato. Bueno... Quizá el arte no puede ser 'bueno' o 'malo'. Sólo tenemos que mantener ciertas obras en un estándar más bajo."

Entrada #26; gamification.

Pac-Man. 1980. Tōru Iwatani de NAMCO LIMITED, ahora NAMCO BANDAI Games Inc.

Pac-Man (1980), Tetris (1984), Another World (1991), Myst (1993), SimCity 2000 (1994), vib-ribbon (1999), The Sims (2000), Katamari Damacy (2004), EVE Online (2003), Dwarf Fortress (2006), Portal (2007), flOw (2006), Passage (2008) y Canabalt (2009).

14 fueron al principio. Más de una decena de arcades y videojuegos añadidos en 2012 a la colección privada del Museum of Modern Art de New York. Según las crónicas, esto produjo las iras de no pocos puristas del mundo del arte, que veían con ojos paleolíticos la inclusión de elementos de entretenimiento interactivo a la colección del MoMA. P. Antonelli, curator del museo, explica en esta charla en TED (ciclos de conferencias que más de un cultureta de postín debería revisarse, para volver al siglo XXI al que pertenece, por mucho que le duela) con una perspicaz charla por qué ella está "encantada de desafiar las ideas preconcebidas sobre el arte y las galerías", y describe su "deseo ardiente de ayudar a establecer una comprensión más amplia del diseño."



Da gusto ver a profesionales del medio jugándose el tipo para desestabilizar los esquemas de los más regios. Resulta curioso, ya que una de las primeras cosas que me dijeron al entrar en la facultad de Bellas Artes de la ULL fue que los videojuegos eran un "invento horrible", y que sólo dos años después suceda esto, da que pensar, cuanto menos. Para rematar la tarea, el MoMA acoge en su colección privada 40 videojuegos clásicos más como obras de arte, con ejemplos tan dispares como Street Fighter II de la japonesa Capcom o Minecraft, fenómeno del juego indie desarrollado por Mojang.

Puede que ya vaya siendo hora de someter a las altas esferas del arte al proceso de gamification que está cambiando la percepción de la sociedad de manera profunda en campos como la educación o la emprendeduría empresarial.

Entrada #25; mediática.

Lanzo una pregunta al graderío en base a la siguiente imagen:

                                       

¿Habría qué darle algún tipo de relevancia cultural a esta manifestación auto denominada 'performance'? 

Entrada #24; plagiarismo.

Muchos no lo sabrán, pero la palabra "plagiarismo" no existe. Es una castellanización de la palabra Plagio escrita en inglés (plagiarism), utilizada aquí deliberadamente para llamar la atención del probable lector.

El motivo de las entradas que, a partir de ahora, se titularán de esta manera, es la de exponer las similitudes existentes entre las obras de artistas profesionales internacionales y las de artistas emergentes canarios. Sean estas casuales o explícitamente planeadas y consentidas. La razón es muy simple; desde mi humilde opinión de consumidor cultural estándar, considero que el hecho de que un artista emergente se nutra premeditadamente del trabajo de otros, y además lo haga gozando de la complicidad de los círculos artísticos a los que tiene acceso, es poco menos que denunciable. Siendo consciente de que esta práctica es habitual en academias y facultades o centros formativos, he de decir también que es responsabilidad de ese artista saber los límites, y madurar en su proceso y su estilo, buscando su lugar en el mundo, y no rapiñando el de otros, a los que en frío seguramente "se las pele", pero que a su vez casi seguro que no les haría gracia que un chiquillo esté enriqueciéndose a costa de copiar hasta el último detalle su estilo personal, su inversión en años de búsqueda por una seña de identidad propia. Ahora, llámenme retrógrado.

Aclararé también que el nombre del artista profesional será dicho, pero no así el del artista emergente. Creo que será más divertido para los que abran los ojos al plagio vil y consentido adivinar de qué persona se está hablando. Teniendo en cuenta las similitudes, estoy seguro que muchos casos serán increíblemente fáciles de sacar. Además, tampoco es de recibo que, encima, ande dándole publicidad a simples copistas con nada más que suerte y sin nada atractivo que aportar.

Dicho esto, les presento a Rowan Newton.

                                     

Newton es un pintor londinense nacido en 1982. Como tipo joven, seguramente ha gozado de las influencias de diversas tribus urbanas, surgidas a finales de los 80 y principios de los 90 del siglo pasado, como el Hip-Hop. En su obra se adivinan rasgos de manera inmediata, como la importancia del género del retrato y el énfasis en las miradas. Si indagamos un poco más, veremos con detalle como combina el uso de diferentes técnicas, valiéndose siempre de lienzos en formato medio. Estas técnicas van desde el carboncillo o el pastel, para remarcar los contornos, hasta sprays de pintura plástica, los mismos que usan normalmente cualquier graffitero, o escritor (minucias propias de jerga). Otro rasgo distintivo es el uso de colores fluorescentes, lo cual ya se dirige con paso firme sobre el camino del simple y llano efectismo.

Tampoco es que haya mucho más que añadir. Resulta un tanto pueril que un chaval cualquiera se haya abierto tantas puertas por el mero hecho de pintar retratos con colores fluorescentes. Y también resulta curioso que el caso sea tan similar para el profesional y el emergente. 

El hecho de que un artista canario emergente haya decidido que lo mejor que podía hacer era volcar todos sus esfuerzos en calcar con todo lujo de detalles el estilo de otra persona es preocupante, pero admisible, siempre y cuando ese artista no pase de vender sus retratos molones de colores chillones a amigos y allegados por unos pocos cientos de euros (yo no pagaría más de 200). Lo realmente preocupante es que agentes culturales, como comisarios o profesores universitarios, no sean capaces de valorar estas copias como lo que son, simples y llanos trabajos de clase, que jamás debieron dar el paso del caballete de la facultad a las paredes de una sala de exposiciones. Y si ya el artista gana dinero con ello, como se diría coloquialmente, "apaga, y vámonos".

Después se pone el grito en el cielo porque el MoMA haya decidido catalogar al Tetris como obra de arte.

Más próximamente (si, hay más, muchos más).

        

Entrada #21; precaución 2

       

Sin título, de Jannis Kounellis.

No ha sido necesario indagar demasiado para encontrar ese factor oculto que convierte en relevante para el arte a este señor griego. No sólo cuenta en su trayectoria con armarios suspendidos en el aire mediante cuerdas. Es el artista responsable de la obra que se puede ver arriba. Obra popular, o infame, dependiendo de los gustos del consumidor. Expuesta en la Tate Modern de Londres, situada a la entrada del espacio que la galería reserva para su muestra permanente, junto a otros artistas Póvera, como Pistoletto.

Kounellis lleva sin exponer en solitario varios años. Según las biografías a las que se tiene acceso desde la web, el grueso de su trabajo se concentra entre mediados de los 60 y los 80 del siglo pasado. Se le considera poético, atractivo e influyente, y con un potente discurso social. 

Los escritos en órbita a su obra utilizan términos como "fragmentación" o "ligereza", mientras que el propio artista cita la Odisea de Homero, o los relatos de Víctor Hugo como referentes.

Lo cierto es que, a pesar de esta pequeña investigación (no creo que haya mucho más pescado que vender), sigo sin llegar a compartir del todo el posible bombo que pueda suponer la presencia de este sujeto en los circuitos artísticos de Canarias. Considero conveniente poner en tela de juicio la asombrosa literalidad de su obra, sólo comprensible bajo el filtro del contexto histórico al que pertenece su trabajo más relevante.

Los asuntos de relevancia, o la relevancia de los asuntos, son elementos, por supuesto, subjetivos. Pero no deja de resultarme curioso como una obra de arte puede llegar a ser más reconocida que el artista que la creó, refiriéndome a "Sin Título", que por cierto, creo que la triste práctica de llamar así a las obras de arte debería ser ya objeto del pasado. Mensaje para artistas; Sin Título ya no mola.

En resumen. Hay pocos artistas profesionales que se dejen ver por Canarias de la forma en que se supone que lo va a hacer Kounellis. Doy por hecho que explicará qué es eso del "alfabeto de Kounellis", y me apuesto que dejará entre los asistentes a su exposición un ánimo de nostalgia, propia de un contexto de artistas forzados a hacer uso del arte Póvera por falta de recursos. Pero cabe destacar que, en lo post-modernos que muchos creen ser, existen complejos y obsesiones, difícilmente subsanables acumulando basura en una galería. 

Entrada #20; precaución.

Pregunta para la grada:

¿Qué tipo de relevancia puede tener un artista (un señor mayor de origen griego) cuyas exposiciones se reducen a suspender estanterías en el aire?

Mientras espero respuestas, indagaré en el misterio.

Para quien no sepa de qué va esto, adjunto nombre del artista y de su proyecto:

Jannis Kounellis.

Praecipitare, en TEA Tenerife Espacio de las Artes.

 

Entrada #22; afección.

La poética romántica incita a pensar en el arte como una filosofía de vida, como algo que no avanzó en paralelo a los designios materialistas a los que nos hemos visto lógicamente guiados con la evolución y el transcurso de la creación plástica moderna y post-moderna, teniendo como referente y tendencia principal el llamado Post-Pop.

Sí algo ha dado el arte del s. XX al mundo, es gente frustrada. Unos por complejo, otros por no cumplir sus expectativas personales. Y tanto unos como otros forman parte tanto de los circuitos "outsider", alejados de las inauguraciones con catering financiado con dinero público, como de las esferas dependientes de las instituciones que creen poseer alguna clase de relevancia intelectual, plástica y/o filosófica.

De vez en cuando, suelo revisar los textos escritos anteriormente, antes de redactar una nueva entrada. Habida cuenta de que he comentado mi negativa a vivir del arte, a ganar dinero con dicha actividad, me propuse la posibilidad de re-escribir algunas entradas. Darles otra vuelta de tuerca, otorgarles capas de información y enlaces a recursos, y aprovechar esas situaciones inesperadas que uno se encuentra al tener relación diaria con el ajetreo propio de una ciudad capitalina. 

Para este caso en concreto he decidido utilizar una fotografía que ilustra ese romanticismo por el cual arte es aquella capacidad de otorgar simbolismo a cualquier expresión, obviando técnicas o formatos.

       

La imagen no necesita descripción. Pero si quizás un nexo de unión con la problemática de dedicarse al arte en una tierra deliberadamente turística, donde los dibujantes de caricaturas y retratos proliferan en las avenidas marítimas, ofreciendo al turista un "souvenir" personalizado sobre la marcha, a cambio de una retribución cuyo valor es oscilante. Este hecho, de manera aislada, podría no ser tomado en consideración, por ser demasiado mundano o, como diría un cultureta, "lugares comunes". Lo cierto es que no hablo de ninguna novedad, en ningún momento he tenido la pretensión de hacerlo. Pero creo que es necesario equiparar este hecho, que en Canarias cada vez se da menos, con un fenómeno similar que ocurre a diario en otros lugares, como por ejemplo, en el Puente de Carlos IV, en Praga (República Checa). Con la salvedad de que allí, ni los dibujantes ni los turistas gozan de un clima cálido y agradable. En cambio, gozan de un acervo cultural, arquitectónico e histórico dignos de admirar, cosa que aquí, en Canarias, pues no tenemos. Cosas de ser una colonia de ultramar, supongo.

         

Algo que sí tenemos en Canarias ( y no en todas las islas) es arena. Algo que sí puede ser tomado como una novedad relativa es la aparición de artistas callejeros que trabajan con arena. Un elemento común a estos artistas es que trabajan por la noche. Y el nuevo método de retribución son unas pocas monedas a cambio de poder sacar una foto de la obra y su proceso de construcción, al cual se le añade el atractivo de lo efímero, ya que esa obra será destruida con total seguridad al día siguiente para dejar libre la arena de la playa para su disfrute lúdico. 

Haberme encontrado con aquel señor dibujando extraños reptiles en la arena de Las Canteras, en Las Palmas de Gran Canaria, a plena luz del día, y sin más motivo aparente que el mero hecho de dibujar con arena, me hizo recordar eso de no querer vivir del arte. Me hizo reflexionar sobre la expresión plástica en una zona urbana pública. Me recordó al Street art y al graffiti. Y finalmente, me motivó a comenzar esta entrada de blog haciendo referencia al romanticismo. Ese hecho me afectó.

¿Acaso no es eso de lo que trata el arte?

Entrada #19; ironías 01

"A ustedes los formaron para ser gallos de pelea, para valorar y discutir, mientras el resto se formaba mediante práctica y dominio de la técnica"

Leonor Ramos.

Entrada #18; Lo Pos... Parte 2

Tengo algo menos de media hora antes de irme a dormir para escribir algo sobre arte y cultura. En esta especie de contrarreloj auto-impuesta en la que ando merodeando posibles, me doy cuenta, sin apenas aflicción, que no quiero dedicarme al arte de manera profesional. Al menos, no en España. 

Observo a diario como surgen convocatorias y exposiciones de toda índole como sí se tratase de hongos, de una especie de vegetal mohoso que se sirve de la humedad, el parasitismo y la pudredumbre para subsistir. Y no llego a comprender como los artistas participan tan alegremente de ese circo, que no es más que un patio de colegio para "culturetas" con muchos complejos, además de subvenciones y tiempo libre. Porque, ya que estoy, aprovecho para lanzar una pregunta al aire:

¿Alguien conoce a algún artista plástico español que viva exclusivamente del arte? 

Quitando premios y subvenciones, yo apostaría por el hecho de que no existe ni un solo artista que viva de lo que produce. Porque, hablando en plata, el que ha ido a su madre con el cuento del "quiero ser artista", una de dos, o pretende vivir de ello, es decir, vender obra, o tiene dinero de sobra (de papá, mamá, un tío-abuelo o familia política, al caso) para permitirse el lujo de "especular sobre lo decolonial en un contexto subyugado por los estereotipos de la identidad colectiva", o la patochada pomposa y rimbombante que a usted se le ocurra, mientras se saca fotos con su móvil en el baño haciendo vaya usted a saber qué.

Si las condiciones para ser artista en Canarias son saber con quién y en qué momento bajarse los pantalones, y mendigar dependiendo de concursos y subvenciones, cuyo capital viene casi por completo de instituciones públicas, esas mismas que con tanto ahínco critican estos artistas con su "hacktivismo" de sofá y su taza de té de frambuesas, yo paso.

      

Entrada #17; Lo Pos... parte 1

En una sociedad como la nuestra, basada en una dinámica constante de contradicciones, los seres humanos (como sujeto) se ven abocados al caos socio-cultural y político. Los límites entre los conceptos y sus significados son cada vez más borrosos, mientras que el sujeto intenta concebir un mundo en el que no hay referencias o patrones definidos a seguir. Como reflejo de (o en forma de residuo) esta incertidumbre, una tendencia se identifica en los círculos de jóvenes artistas, tanto plásticos como audiovisuales, en el que la imagen (fija, en instalación o performance) tiende a escapar de la definición, lo que resulta en un espectro de imágenes distorsinadas, que son el retrato de lo que el sociólogo Zygmunt Bauman llama "modernidad líquida".

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Hace ya más de seis meses que, bajo la premisa previamente presentada, realicé un comisariado auspiciado por el Distrito de las Artes de Santa Cruz de Tenerife, recogido en un proyecto colectivo en el que conté con muchos compañeros de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de La Laguna y de la Escuela de Actores de Canarias, de los cuáles he de decir que, sin su colaboración, no habría sido posible ese acto de un mes de duración llamado "Generación Difusa".

La experiencia fue del todo positiva en términos generales. Pero lo cierto es que nadie se dió cuenta de que, lo que realmente pretendia con aquella exposición, era evidenciar la tendenciosa práctica plástica a la que algunos nos vimos casi sometidos durante los cuatro años que duró la carrera universitaria. 

La adhesión forzosa a una pos-modernidad pasada de rosca desde finales de los años 80 del siglo pasado culminaba, al menos dentro de mi bagaje personal, con aquella exposición que, según palabras de Ramón Salas, profesor de la ULL, era "coherente y seria, por lo tanto, más propia de alguien nacido en 1970. Una expo organizada por alguien de tu edad (refiriéndose a mi) suele contar con un "half pipe" con decenas de skaters, un DJ y un tatuador." 

Ese tipo de adhesiones ciertamente reduccionistas siempre me parecieron curiosas. Muchos de los personajes con los que solía intercambiar opiniones daban por hecho muchas cosas que, en realidad, salían de las mentes de otros, y que a su vez, habian salido de otras mentes, que vivían en otros contextos (a veces, en otras épocas), sobre todo, económicos y culturales.

España, pero sobre todo, Canarias, se debate (lleva 30 años haciéndolo) entre una irracional defensa de unas tradiciones que nadie menor de 60 años ha elegido, y un enorme complejo de inferioridad con respecto a otros estados Europeos, normalmente denominados como "potencias". Ese complejo empuja a muchos a pensar en Canarias como si fuese Berlin o París, por nombrar dos ejemplos de capitales culturales "reales". Pero, guste o no guste, Canarias no es Berlin. 

Ha pasado el tiempo desde que se denominase a Canarias como "territorio ultra-periférico", algo que parece haber incordiado a muchos. Y debería haber pasado mucho tiempo ya desde que la población de Canarias y España hubiese olvidado su falso e interesado acervo cultural, fundamentado en festividades religiosas, tradiciones, carnavales y compadrismos varios.

En resumen, últimamente me ha dado por pensar en la pos-modernidad como un saco cerrado en el que un payaso ha metido a un perro, un gato, un ratón y un pedazo de queso.

Entrada #16: dispositivo.

Escribo estas lineas desde un iPhone 4S con conexión 3G, mientras camino por el barrio de Guanarteme, en Las Palmas de Gran Canaria, tras salir del estudio. Lo sorprendente de este hecho no es que sea capaz de bloggear mientras esquivo vehículos, peatones y mobiliario urbano, y además hacerlo sin faltas de ortografía. Lo curioso es que no esté produciendo en este preciso instante una obra de arte que pueda verse, o incluso manipularse, desde Amsterdam o New York, en tiempo real y, por supuesto, ganando dinero con ello. La simultaneidad que permiten y facilitan los dispositivos en la actualidad debería ser el germen de un movimiento artístico genuino del s. XXI, algo solo posible mediante la tecnología táctil y por satélite, con su etiqueta y artista destacados. Con sus curators y coleccionistas. Y por qué no, encontrar esa dimensión alternativa que tanto se ha buscado a lo largo y ancho de toda la Historia del arte.

Entrada #15: Tweet 2

Hace muchos años que dejé de creerme con algún tipo de superioridad moral con respecto a los gustos del resto de la gente
— Rubén O Santiago (@rubosros) enero 4, 2014

Entrada #14: Objeción

Encuento alarmante la absoluta falta de vergüenza de la gran mayoría de artistas canarios menores de 45 años.

Entrada #12: Proposición

Propongo un año en blanco. Un año sabático. 365 días de pura nada. Sin pretensiones. Sin intenciones. No hablo de trabajar sobre la nada, sobre la ausencia, sobre lecturas entre líneas, espíritus o mitos. Sólo la nada. Ni un libro, ni una película, ni un programa de televisión, ni una obra de arte, ni de teatro, ni una fotografía, ni un cartel, ni un comisariado, ni una publicación periódica, ni una danza, ni una entrada de blog, ni una noticia, ni una actualización en redes sociales... ningúna expresión gráfica humana, comercial o no, durante 2014, año blanco.

Entrada #11: Vaticinio.

Apuesto por cambios inesperados, profundos y relevantes, pero sobre todo, incómodos y desestabilizadores, para el eco-sistema en el que me tocó vivir en estos últimos años, sus exponentes y sus referencias.

Entrada #10: Diálogo 2

Varias semanas llevo ya sopesando la posibilidad de escribir una nueva entrada en este blog.

Imagino que muchos de mis colegas del ámbito del arte y el diseño se preguntarán qué es de mi ahora mismo. Yo me lo he preguntado de alguno de ellos. Pero lo cierto es que el destino de la inmensa mayoría de mis contemporáneos no produce en mi más que una ligera sensación de pequeñez, de que, a la hora de calibrar la relevancia de sus actos, estos caen en saco roto.

Siempre he considerado como un mal común a mis compañeros de FP (formación profesional) y de la Universidad (Universidad de La Laguna) la estrechez de miras. Yo estudié Ilustración en la Escuela de Arte Gran Canaria, y Bellas Artes en la ULL. Y se de buena tinta que los de FP odian la Universidad, y que los Universitarios reniegan de las artes aplicadas que se enseñan en FP. Poniéndonos quisquillosos, es cierto que esta tesis no se puede aplicar al 100% de ellos, pero, ¿a estas alturas vamos a preocuparnos de poder aplicar algo a más del 50% de cualquier grupo social? Mi experiencia me muestra que al arte se la sudan los porcentajes y los estudios, la posibilidad de aplicar una lógica matemática al proceso artístico creativo es poco menos que un sacrilegio. Y en el otro lado de la balanza tenemos a aquellos a los que no les entra en la cabeza que alguien que no tenga una titulación sobre una actividad concreta pueda dedicarse profesionalmente a ella. Por ejemplo, si no has estudiado el ciclo formativo de fotografía, ni en broma te dediques a ser fotógrafo/a.

¿Cuál es mi respuesta a eso?

Muchos han sido los que han dicho que mi forma de aproximarme tanto al arte como al diseño (ámbitos que esos mismos muchos se empeñan en diferenciar, en apartar, en contraponer), es demasiado compleja en términos absolutos. Quien haya tenido acceso a mi Curriculum habrá comprobado que, siguiendo el juego de asignar un territorio físico a cada ámbito como abstracción, yo he tocado todos los palos. Y más de una vez he expresado mi predisposición a dedicarme a todo lo que pueda dentro de las artes; no por una simple cuestión de capacidades; no por abarcar todo lo posible por miedo al fracaso; si porque ME GUSTA, a pesar de los pesares, y creo firmemente que puedo aportar cosas a todos esos territorios, grandes o pequeñas cosas, pero aportaciones, al fin y al cabo.

Por eso, mi proyecto es MÚLTIPLE.

Entrada #9: Diálogo

Words with… Joan M. Minguet Batllori from Arts Coming on Vimeo.
Joan M. Minguet Batllori, profesor de Historia del arte de la Universidad Autónoma de Barcelona, nos regala un ligero "speech" sobre la crítica y la cultura en la actualidad.

Entrada #8 : Escarnio.

"Ofender a la bandera" Obra valorada en 30.000 €. Sobre un original de Diego de los Reyes.

Entrada # 7; mutación

Todas las mutaciones se producen delimitadas por un espacio inmutable.

Entrada # 6; retórica

Hay quien dice que la retórica es nuestra salvación.


Soy consciente de que a muchos artistas y teóricos del arte les molesta que se les rebata haciendo uso de definiciones oficiales. Como mi objetivo es molestar, en vez de sólo una, compartiré con ustedes tres definiciones de -retórica-.




La retórica es la disciplina transversal a distintos campos de conocimiento que se ocupa de estudiar y de sistematizar procedimientos y técnicas de utilización del lenguaje, puestos al servicio de una finalidad persuasiva o estética, añadida a su finalidad comunicativa. (Wikipedia)

retórica s. f.

1   Arte y técnica de hablar y escribir con eficacia y corrección para lograr convencer al público o lector, provocar en él un sentimiento determinado o deleitarlo.

2   Disciplina que estudia la forma y las características de los discursos hablados o escritos.

3   Manera de expresarse propia de una persona.

4  desp. Manera de expresarse artificiosa o rebuscada y difícil de comprender. (The Free Dictionary)

retórico,ca

1. adj. De la retórica o relativo a ella:
2. adj. y s. Versado en retórica. 
3. f. Arte de expresarse con corrección y eficacia,embelleciendo la expresión de los conceptos y dando al lenguaje escrito o hablado el efecto necesario para deleitar,persuadir o conmover. 
4. Tratado sobre este arte.
5. Lenguaje afectado y pomposo.
6. f. pl. col. Argumentos o razones que no vienen al caso. (Wordrefference)          

Entrada # 5; tweet

La obra, aséptica. Los artistas, mediocres. El ambiente, enfermo. Ahí tienes un resumen del 80% del arte contemporáneo.
— Rubén O Santiago (@rubosros) September 10, 2013

Esto es así, al menos, a nivel regional.

Entrada # 4; verdad(es)

 La post-modernidad, en su afán por posicionarse al margen de cualquier precepto que tuviese que ver con la vida en sociedad propuesta por la civilización occidental, promovió una serie de citas que, en su momento, funcionaban como contrapunto, como contestación ante un modelo impuesto. Lo paradójico de esa situación es que, en resumidas cuentas, lo que proponía era cambiar un modelo impuesto por otro modelo impuesto.

Las películas de antropófagos, al contrario de lo que muchos cerrados de mente pueden llegar a pensar del cine comercial, no son simples historias de aventuras en ambientes oscuros de catástrofe en las que mostrar sangre y vísceras por doquier. Son una metáfora de la individualidad como forma de vida. Son una muestra de lo que supone vivir entre dos extremos.


"... que subraya de forma inteligente la necesidad imperiosa de ser diferente en un mundo que avanza a marchas forzadas, al que irremediablemente hay que pertenecer pero en el que, de vez en cuando, hay que pararse a reflexionar."

Lo que vemos son dos ideas incompatibles, que luchan cada una con sus propias armas para imponer su verdad.

¿Y qué es la verdad, si puede saberse?

Es una pregunta harto realizada. Las respuestas más extendidas son dos, casualmente dos extremos; una, dice que la verdad existe, que simplemente hay que buscarla. Pero esta verdad es universal e incontestable, y no se puede actuar al margen de la misma. La otra dice que "nada es verdad", que "todo vale", cayendo sin pretenderlo (y tristemente) en la creación de una verdad universal, es decir, es verdad que nada es verdad.

Con lo cuál, unos bajo el cemento, y otros sobre el fango, continuan pataleando como un chiquillo caprichoso, unos apelando a cierto "deber", otros exclamando que pueden hacer "lo que les dé la gana", y no atreviéndose ninguno de los bandos a explorar, ni tan siquiera por un instante, la posibilidad de hacer auto-crítica, la posibilidad de que ambos puedan estar equivocados. 

Entrada # 3; Nece(si)dad

¿Puede ser este 25 ft. 2013 el peor de todos los que se han hecho?

Entrada # 2: Robo

Jim Jarmusch, referente del cine independiente estadounidense (según Wikipedia) nos invita a robar, parafraseando a Jean-Luc Godard:
 
“De lo que se trata no es de dónde tomas las cosas, sino de a dónde las llevas.”J. Godard

Yo mismo, escribiendo estas lineas, estoy practicando ese robo al que Jarmusch (quien, a su vez, parece haberle robado el look a un tal Warhol) invita con alevosía y celebración. Ese robo, por supuesto, hace referencia a la defensa del apropiacionismo como movimiento artístico. La alteración o no del material de partida (por no decir original, que es una palabra tabú) puede ser una acción meramente estética, de la que muchos dirán que, en la medida de lo posible, debe evitarse. Con lo cuál, si el lector tiene planeado apropiarse de la obra de otro artista, podría (o incluso debería) hacerlo sin aplicar el más mínimo cambio a la misma. Y no olvidarse de poner su sello en los créditos.

Esta reflexión sobre el robo como forma de hacer arte imbrica con la entrada anterior de este mismo blog, en la que hacía referencia a la -tristemente- popular práctica de ciertos artistas emergentes de ni siquiera pensar un proyecto, sino simplemente buscar algo ya hecho, ir a opciones, cambiarle el idioma y, sobre todo, dejar que lo formalice otro. 

Varios fueron los casos que pude ver de cerca, en un movimiento que defiende la re-interpretación por encima de la creatividad, o el intento de la misma. Cierto es que apelar a la creatividad a viva voz es tan inocente y anticuado como ser escultor. Pero cierto es también que se debe ser consecuente con lo que se hace, al menos, en la medida de lo posible. Apelar al apropiacionismo por incompetencia es pueril. Sobre todo, si se enmascara como un acto post-moderno, en el que el artista (supuestamente) replantea los preceptos burgueses y occidentales sobre el arte y el proceso creativo.

No se puede negar el bien que ha hecho, al menos a la cultura, la ebullición de movimientos artísticos de ruptura que representa el siglo XX. La popularización del arte contemporáneo en nuestros dias asi lo atestigua. Pero la sensación de ver a tus compañeros esforzarse en no esforzarse sólo puede ser descrita con un anglicismo; "cheesy"

La conclusión personal a la que llego es que los movimientos artísticos históricos, serios, transcendentes, profundos, aplicados en ambientes a pequeña escala, con profanos actuando como si no lo fueran, no hace más que ridiculizar la esencia, el poder mismo del arte, en gran medida por la falta de implicación "real" con dicho movimiento, por ser poco consecuente.

Ya que si vas a robar para cambiar a la sociedad desde el arte, por qué no enfundarse un pasa-montañas y darle un susto a los comerciantes de tu ciudad. Por supuesto, grabándolo en video.

Por cierto, el material de partida para esta entrada AQUÍ.



 

Entrada # 1: saturación

Soy consciente de que muchos de los agentes implicados en mi formación académica como graduado en Bellas Artes me aconsejaron que no parase. Lo cierto es que prisa por moverme, no tengo. Máxime cuando los planes que han ido surgiendo muestran un planteamiento a largo plazo. Pero si reconozco cierto resquemor al ser demasiado conocedor de los movimientos de mi ámbito más cercano. Mis antiguos compañeros de facultad, todos poseedores de perfiles en redes sociales, son el mejor ejemplo de ello.

Que la primera entrada de "Cultura crítica" se titule "Saturación" no puede ser más sintomático. Es la palabra que me viene a la mente al ver tanto movimiento a mi alrededor.

Y los habrá que piensen que, en realidad, es motivo de alegría, ver que tus contemporáneos se mueven, son invitados a participar en exposiciones (en muchos casos individuales, nada menos) y que existe un hueco, una brecha dentro del ámbito que motiva el optimismo y la participación.

Pero a mi no me produce más que saturación.

Puede que el problema sea que los conozco a casi todos demasiado bien. Conozco parte de sus orígenes formativos, y los rumores sobre sus motivaciones personales son, muy a mi pesar, una comidilla que Radio Macuto (siempre la hay) se encarga de difundir con presteza.

Digo esto porque muchos de los proyectos personales de mis antiguos compañeros no son más que plagios concertados y, en cierto modo, cómplices, de trabajos de artistas profesionales internacionales que no cuentan con demasiado reconocimiento. Lo cuál para un trabajo académico está bien, ya que se supone que te estás buscando a ti mismo, y el camino más rápido es tener un referente con el que sentirte identificado. Pero una vez sales de la facultad, ¿sigue funcionando de la misma forma? Yo creo que no debería. En ese aspecto, puede que Si sea necesario parar un poco, reflexionar sobre lo que se tiene y, sobre todo, lo que se quiere llegar a ser.

Más aún cuando algunos, en el colmo del cinismo mal ilustrado, ni siquiera hacen ellos mismos sus obras.

Bombardeo aliado al puerto de Kobe (Japón)

Entrada # 0: Intro

Me gustaría dejar la evidencia de que lo que escriba en este blog, a parte de textos sobre mis hipotéticos proyectos plásticos, son pequeñas reflexiones personales sobre arte contemporáneo, educación y cultura.

Se pretende que tengan un carácter crítico, pero en ningún momento buscan sentenciar definitivamente sobre ningún tema. Eso sí, como diría Charles Baudelaire, ésta crítica será "parcial, apasionada, política", para así, tener su razón de ser.

Se dice por ahi que mis arrebatos de sinceridad me pierden. Supongo que se refieren al posible peligro de banalización de mi discurso. Pero lo cierto es que prefiero escribir textos y crónicas que, a la par que bien citados, enlazados y referenciados, apelen a un sentido de la literatura accesible y ameno para cualquier lector.

La actividad crítica conlleva consecuencias en ocasiones desagradables. Pero siendo consecuente, qué sería de la cultura crítica si ésta no generase un mínimo feedback, por adverso que sea.

Sean bienvenidos.